Chronologie de l'art byzantin

Chronologie de l'art byzantin


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  • c. 540

    Les mosaïques byzantines de l'église de San Vitale à Ravenne, en Italie, sont créées.

  • 545 - 553

    Le trône de Maximien, archevêque de Ravenne, est composé de nombreux panneaux d'ivoire représentant des images chrétiennes.

  • 867 - 886

    Le manuscrit byzantin illustré des Homélies de saint Grégoire de Nazianze est produit.

  • c. 1100

    La mosaïque de Jésus-Christ dans le dôme de l'église de Daphni, Grèce est faite.

  • c. 1125

    L'icône de la Vierge à l'enfant de Vladimir est peinte à Constantinople.

  • 1164

    Les peintures murales byzantines de l'église de Nerezi, en Macédoine, sont réalisées.

  • c. 1260

    Les peintures murales de l'église de Sancta Sophia à Trébizonde sont réalisées.

  • 1370 - 1375

    Le manuscrit byzantin des uvres théologiques de Jean VI Cantacuzène est produit et contient de nombreuses peintures miniatures.


Iconoclasme byzantin

Iconoclasme byzantin (grec : , romanisé : Eikonomachía, littéralement, « lutte d'image » ou « guerre contre les icônes ») fait référence à deux périodes de l'histoire de l'Empire byzantin où l'utilisation d'images ou d'icônes religieuses a été opposée par les autorités religieuses et impériales au sein de l'Église orthodoxe et de la hiérarchie impériale temporelle. Les Premier iconoclaste, comme on l'appelle parfois, a existé entre 726 et 787 environ. Deuxième iconoclaste était entre 814 et 842. Selon la vision traditionnelle, l'iconoclasme byzantin a commencé par une interdiction des images religieuses par l'empereur Léon III et s'est poursuivi sous ses successeurs. Elle s'est accompagnée d'une destruction généralisée d'images et d'une persécution des partisans de la vénération des images. Le pape est resté fermement en faveur de l'utilisation d'images tout au long de la période, et tout l'épisode a élargi la divergence croissante entre les traditions byzantine et carolingienne dans ce qui était encore une église unifiée, tout en facilitant la réduction ou la suppression du contrôle politique byzantin sur parties de l'Italie.

L'iconoclasme est la destruction délibérée au sein d'une culture de ses propres icônes religieuses et d'autres symboles ou monuments, généralement pour des motifs religieux ou politiques. Les personnes qui s'engagent ou soutiennent l'iconoclasme sont appelées iconoclastes, grec pour « briseurs d'icônes » ( εἰκονοκλάσται ), un terme qui s'est appliqué au sens figuré à toute personne qui enfreint ou méprise les dogmes ou conventions établis. Inversement, les personnes qui vénèrent ou vénèrent des images religieuses sont appelées par dérision « iconolaters » ( εἰκονολάτρες ). Ils sont normalement appelés « iconodules » ( εἰκονόδουλοι ) ou « iconophiles » ( εἰκονόφιλοι ). Ces termes ne faisaient cependant pas partie du débat byzantin sur les images. Ils ont été mis en usage par les historiens modernes (à partir du XVIIe siècle) et leur application à Byzance s'est considérablement accrue à la fin du XXe siècle. Le terme byzantin pour le débat sur l'imagerie religieuse, « iconomachie », signifie « lutte pour les images » ou « lutte pour l'image ».

L'iconoclasme a généralement été motivé théologiquement par une interprétation de l'Ancienne Alliance des Dix Commandements, qui interdisait la fabrication et l'adoration d'« images taillées » (Exode 20 :4, Deutéronome 5 :8, voir aussi la loi biblique dans le christianisme). Les deux périodes d'iconoclasme dans l'Empire byzantin au cours des VIIIe et IXe siècles ont utilisé ce thème théologique dans les discussions sur la propriété des images de figures saintes, y compris le Christ, la Vierge (ou Theotokos) et les saints. Il s'agit d'un débat déclenché par les mutations du culte orthodoxe, elles-mêmes engendrées par les grands bouleversements sociaux et politiques du VIIe siècle pour l'Empire byzantin.

Les explications traditionnelles de l'iconoclasme byzantin se sont parfois concentrées sur l'importance des interdictions islamiques contre les images influençant la pensée byzantine. Selon Arnold J. Toynbee, [1] par exemple, c'est le prestige des succès militaires islamiques aux VIIe et VIIIe siècles qui a motivé les chrétiens byzantins à adopter la position islamique de rejet et de destruction des images dévotionnelles et liturgiques. Le rôle des femmes et des moines dans le soutien à la vénération des images a également été affirmé. Des arguments sociaux et de classe ont été avancés, tels que cet iconoclasme a créé des divisions politiques et économiques dans la société byzantine qu'il était généralement soutenu par les peuples orientaux, plus pauvres et non grecs de l'Empire [2] qui devaient constamment faire face à raids arabes. D'autre part, les Grecs les plus riches de Constantinople ainsi que les peuples des provinces balkaniques et italiennes se sont fortement opposés à l'iconoclasme. [2] La réévaluation des preuves écrites et matérielles relatives à la période de l'iconoclasme byzantin par des érudits, dont John Haldon et Leslie Brubaker, a contesté bon nombre des hypothèses de base et des affirmations factuelles du récit traditionnel.


Art byzantin

[caption align="aligncenter" width="600"] Manuscrit byzantin enluminé d'Alexandre le Grand[/caption]

Le premier style majeur à émerger était le style byzantin qui a duré tout au long du Moyen Âge. Ce style est attribué à l'Empire byzantin qui était la partie occidentale de l'Empire romain. Lorsque l'Empire romain s'est effondré en 476, l'Empire byzantin a continué à prospérer jusqu'à sa chute aux mains des Turcs en 1453. La majorité de l'art byzantin concerne les expressions religieuses chrétiennes qui sont souvent véhiculées dans les églises. Souvent, beaucoup de ces expressions étaient contrôlées par la tradition rigide de l'église qui voulait mettre l'accent sur la théologie chrétienne. À cet égard, l'architecture byzantine, les peintures et les manuscrits enluminés reflétaient cette perspective.

[caption align="aligncenter" width="600"] Exemple d'architecture byzantine[/caption]

Le premier exemple est l'architecture byzantine qui comportait de grands dômes et des voûtes qui viendraient à représenter l'ordre de l'univers. Par exemple, une image iconographique de Dieu serait représentée dans le plafond intérieur suivie d'êtres inférieurs tels que des anges et des saints qui étaient représentés en dessous de Dieu. Ces représentations étaient souvent représentées dans des fresques et des mosaïques destinées à représenter l'ordre parfait de l'univers. Les fresques et les mosaïques étaient souvent affichées de manière unidimensionnelle et représentaient des figures religieuses qui avaient des regards solennels pour impliquer le respect et la tradition. Essentiellement, les artistes religieux souhaitaient mettre l'accent sur ces figures spirituellement plutôt que de les modéliser physiquement à partir de perspectives tridimensionnelles. Les artistes byzantins ont également participé à la création de manuscrits enluminés qui étaient des livres ou des documents décorés de somptueux matériaux byzantins. Par exemple, de nombreuses Bibles importantes étaient souvent transformées en manuscrits enluminés et avaient des couvertures spéciales, des pages brodées et des doublures dorées. En termes d'influence, le style d'art byzantin s'est étendu à l'Italie où il gagnera en importance à la Renaissance. D'autres nations telles que la Russie utiliseraient également ces styles dans les églises orthodoxes orientales et resteraient inchangées pendant des siècles. Le style d'art byzantin deviendrait une base pour les futurs styles d'art médiévaux.


A duré de 1261 à 1453 après JC. À cette époque, les Byzantins ont commencé à restaurer les églises orthodoxes qui avaient été endommagées pendant une période appelée la conquête latine, qui a ruiné l'économie et laissé une grande partie de Constantinople en ruines. Les artistes devaient utiliser des supports plus économiques. Des icônes représentaient les souffrances de la population pendant la Conquête. Les artistes se sont efforcés de révéler la compassion dans leurs œuvres et ont montré la souffrance de Jésus. Le centre de l'art s'est déplacé de Constantinople vers la Russie, la Bulgarie, la Roumanie et la Grèce. Les artistes d'icônes ont développé des styles régionaux.


Art byzantin c 300 – 1204

L'art grec et romain a été mis de côté alors que le christianisme se répandait à travers l'Europe. La tendance de l'art grec et romain à glorifier la personne a été abandonnée car les croyances chrétiennes ont déterminé que les gens ne devaient pas être glorifiés au-dessus de Dieu. Les chrétiens croyaient que Dieu avait donné aux artistes leur capacité artistique et que, par conséquent, leurs compétences ne devaient être utilisées que pour diffuser le message du christianisme. Les peintures étaient conçues comme des leçons religieuses qui impressionneraient et inspireraient le spectateur.

Vers 300 après JC, l'empereur Constantin a déplacé la capitale de l'Empire romain à Byzance et l'a rebaptisée Constantinople en son honneur. Le nom moderne est maintenant Istanbul. À Constantinople, les murs, les plafonds, les voûtes et les dômes étaient recouverts de mosaïques et de fresques scintillantes, montrant souvent aux gens comment se comporter pour se rendre au paradis. Avec le soutien de Constantin, le christianisme s'est rapidement propagé à de nouveaux endroits, notamment en Europe de l'Est et en Russie.

L'art byzantin est caractérisé par la religion. D'innombrables images de Dieu, de la Sainte Famille, de Jésus et de Marie ont été produites au cours de cette période. Le symbolisme est fréquemment utilisé pour représenter le pouvoir de l'église, les calices pour représenter la sainte communion et le pardon des péchés et bien sûr la croix comme symbole principal du christianisme. Des couleurs vives et des fonds dorés sont souvent utilisés pour symboliser l'émerveillement et la magnificence de Dieu. Les traits individuels sont souvent absents, les formes humaines et animales sont souvent aplaties ou immobiles et il y a peu ou pas de perspective ou d'ombre. Les individus font face vers l'avant et semblent flotter. En général, ils ont de grands yeux et il y a peu de différence d'expression entre les visages. Les personnages sont généralement lourdement drapés de robes et le contour de la forme humaine est rarement visible. L'intention n'était pas de transmettre une personne individuelle, mais d'afficher une figure avec une magnifique aura sacrée.


Art Médiéval

La période médiévale de l'histoire de l'art s'étend de la chute de l'Empire romain en 300 après JC au début de la Renaissance en 1400 après JC. Au Moyen Âge, l'art évolue à mesure que les humains continuent d'aborder le traditionnel et le nouveau, y compris les sujets bibliques, le dogme chrétien et la mythologie classique. Cet article présente quelques concepts de trois périodes : paléochrétien, roman et gothique.

Au début du Moyen Âge, l'Église catholique a financé de nombreux projets, et les plus anciens exemples d'art chrétien survivent dans les catacombes romaines, ou les cryptes funéraires sous la ville. En 350 après JC, l'Église avait deux centres de pouvoir, Rome à l'Ouest et Constantinople (la capitale de l'Empire byzantin) à l'Est. Des artistes médiévaux ont décoré des églises et des œuvres pour l'appréciation du public en utilisant des thèmes classiques. Par exemple, les mosaïques romaines faites de petits cubes de pierre appelés tesselles offraient des paysages chrétiens. Vers 350 après JC, la Santa Costanza de Rome, un mausolée construit pour la fille de Constantin, comprenait une voûte décorée de mosaïques. A proximité, à Santa Maria Maggiore, la mosaïque appelée Melchisédek offrant du pain et du vin à Abraham a été construite 80 ans plus tard. Les mosaïques paléochrétiennes utilisaient des couleurs sourdes comme les mosaïques classiques, mais au quatrième siècle, les mosaïstes sont passés à des couleurs et des motifs plus vifs.

Au début du XIe siècle, l'architecture romane symbolisait la richesse croissante des villes européennes et la puissance des monastères ecclésiastiques. Par exemple, les bâtiments romans, en particulier les monastères et les églises, étaient marqués par des arcs en plein cintre, des murs de pierre épais et une construction stable. En 1070 ou 1077 après JC, Saint-Sernin, situé à Toulouse, en France, a été construit avec un plafond voûté en berceau en pierre. On se souvient de Saint-Sernin comme d'un modèle de l'« église de pèlerinage » romane.

Le style gothique s'est développé au milieu du XIIe siècle et porte le nom des Goths qui ont régné sur la France. Certains contemporains des Goths pensaient que l'utilisation de figures telles que les gargouilles était hideuse, mais les cathédrales gothiques représentent les réalisations les plus belles et les plus intemporelles de la période. Par exemple, la cathédrale Notre-Dame de Paris a été agrandie à plusieurs reprises depuis le XIIe siècle, mais elle porte encore d'importantes caractéristiques gothiques telles que des gargouilles et des arcs-boutants.

Il existe de nombreuses façons d'analyser 900 ans d'art médiéval, notamment en examinant les décorations à l'intérieur des églises. Les formes humaines telles que la Vierge et l'Enfant Jésus évoluent de grosses têtes sur de petits corps au début du christianisme vers des formes abstraites à l'époque romane. À l'époque gothique, la Vierge à l'Enfant est plus naturaliste avec de grandes figures osseuses. Même les traits du visage de la Vierge à l'Enfant ont changé en 900 ans. À l'époque gothique en France, Marie avait un visage accessible et chaleureux, signalant que l'Église reconnaissait que les images devaient attirer les gens au lieu de les intimider. À la Renaissance, les artistes deviendraient plus audacieux pour explorer les thèmes du christianisme, même dans des œuvres commandées par l'Église.


Art roman

L'art roman désigne l'art de l'Europe de la fin du Xe siècle à l'essor du style gothique au XIIIe siècle.

Objectifs d'apprentissage

Évaluer l'architecture romane, la sculpture et la peinture

Points clés à retenir

Points clés

  • Le style roman a été le premier à se répandre dans toute l'Europe catholique et donc le premier style paneuropéen depuis l'architecture romaine impériale.
  • Combinant des caractéristiques de bâtiments romains et byzantins et d'autres traditions locales, l'architecture romane présente une qualité massive, des murs épais, des arcs en plein cintre, des piliers robustes, des voûtes d'arêtes, de grandes tours et des plans symétriques.
  • L'art de l'époque se caractérise par un style vigoureux tant en peinture qu'en sculpture.
  • Les couleurs, que nous ne pouvons maintenant voir dans leur éclat d'origine que dans les vitraux et les manuscrits bien conservés, avaient tendance à être très frappantes.
  • Les tympans des portails d'églises importants ont été sculptés avec des schémas monumentaux, représentant souvent l'iconographie de la peinture byzantine.

Mots clés

  • voûte d'aine: L'intersection à angle droit de deux voûtes en berceau.
  • tympan: Un espace triangulaire entre les côtés d'un fronton l'espace à l'intérieur d'un arc et au-dessus d'un linteau ou d'un arc subordonné, enjambant l'ouverture sous l'arc.
  • jetée: En architecture, support vertical d'une structure ou d'une superstructure telle qu'une arche ou un pont.

L'art roman désigne l'art de l'Europe de la fin du X e siècle à l'essor du style gothique au XIII e siècle ou plus tard selon les régions. Le terme « roman » a été inventé par les historiens de l'art du XIXe siècle pour désigner spécifiquement l'architecture de l'époque, qui a conservé de nombreuses caractéristiques de base du style architectural romain, notamment des arcs en plein cintre, mais a conservé des caractéristiques régionales distinctives. Dans le sud de la France, en Espagne et en Italie, il y avait une continuité architecturale avec la période de l'Antiquité tardive, mais le style roman a été le premier style à se répandre dans toute l'Europe catholique et donc le premier style paneuropéen depuis l'architecture romaine impériale. L'art roman a également été influencé par l'art byzantin, notamment en peinture, et par l'énergie anti-classique de la décoration de l'art insulaire des îles britanniques. De ces éléments s'est forgé un style très innovant et cohérent.

Architecture

Combinant les caractéristiques des bâtiments romains et byzantins avec d'autres traditions locales, l'architecture romane se distingue par une qualité massive, des murs épais, des arcs en plein cintre, des piliers robustes, des voûtes d'arêtes, de grandes tours et des arcades décoratives. Chaque bâtiment a des formes clairement définies et un plan symétrique, résultant en une apparence beaucoup plus simple que les bâtiments gothiques qui suivraient. Le style peut être identifié à travers l'Europe, malgré les caractéristiques et les matériaux régionaux.

Abbaye Maria Laach, Allemagne: Cette abbaye, fondée en 1093, est un exemple d'architecture romane.

Peinture

Outre l'architecture, l'art de l'époque se caractérise par un style vigoureux tant en peinture qu'en sculpture. Dans les églises, la peinture continue de suivre les modèles iconographiques byzantins. Le Christ en majesté, le Jugement dernier et des scènes de la vie du Christ sont restés parmi les représentations les plus courantes. Dans les manuscrits enluminés, les exemples les plus richement décorés de l'époque comprenaient des bibles ou des psautiers. Au fur et à mesure que de nouvelles scènes étaient représentées, plus d'originalité s'est développée. Ils utilisaient des couleurs primaires intensément saturées, qui n'existent désormais dans leur éclat d'origine que dans les vitraux et les manuscrits bien conservés. Le vitrail a été largement utilisé au cours de cette période, bien qu'il y ait peu d'exemples survivants.

Les compositions picturales avaient généralement peu de profondeur car elles étaient limitées aux espaces étroits des initiales historiées, des chapiteaux des colonnes et des tympans des églises. La tension entre un cadre serré et une composition qui échappe parfois à son espace désigné est un thème récurrent dans l'art roman. Les figures variaient souvent en taille par rapport à leur importance, et les arrière-plans de paysage étaient absents ou plus proches des décorations abstraites que du réalisme, comme dans les arbres de la « feuille de Morgan ». Les formes humaines étaient souvent allongées et déformées pour s'adapter à la forme fournie. et parfois semblaient flotter dans l'espace. Ces chiffres se sont concentrés sur les détails linéaires en mettant l'accent sur les plis de draperie et les cheveux.

La feuille “Morgan. “: La feuille de Morgan, détachée de la Bible de Winchester illuminée de 1160-1175. Scènes de la vie de David, représentées dans le style roman avec des personnages de différentes tailles selon l'importance et des arrière-plans paysagers abstraits.

Sculpture

La sculpture présentait également un style vigoureux, évident dans les chapiteaux sculptés des colonnes, qui représentaient souvent des scènes complètes composées de plusieurs personnages. Les objets précieux sculptés dans le métal, l'émail et l'ivoire, tels que les reliquaires, avaient également un statut élevé à cette période. Alors que le grand crucifix en bois et les statues de la Vierge intronisée étaient des innovations allemandes au début de la période, les sculptures en haut-relief d'éléments architecturaux sont les plus évocatrices de ce style.

Dans une innovation importante, les tympans des portails d'église importants ont été sculptés avec des schémas monumentaux, représentant à nouveau le Christ en majesté ou le Jugement dernier, mais traités avec plus de liberté que dans les versions peintes. Ces sculptures de portail étaient destinées à la fois à intimider et à éduquer le spectateur. Comme il n'y avait pas de modèles byzantins équivalents, les sculpteurs romans se sont sentis libres d'élargir leur traitement des tympans.

Le portail Saint-Pierre, Moissac: Cette image montre les gravures sur les tympans du portail de Saint-Pierre, Abbaye de Moissac, Moissac, France.


Chronologie de l'art byzantin - Histoire

Les illustrations ici proviennent d'ailleurs sur notre site Web, à l'exception de celles du château de Neuschwanstein, de l'église du Sang-Versé et de Saint-Démétrius, qui sont de l'auteur actuel. Vous pouvez les utiliser sans autorisation préalable à des fins académiques ou éducatives tant que vous (1) créditez le photographe et (2) reliez votre document à cette URL dans un document Web ou citez le Web victorien dans un document imprimé. [Cliquez sur les images pour des images plus grandes et plus d'informations, le cas échéant.

"La riche incrustation de All Saints de William Butterfield, Margaret Street (1849-1859), était considérée par beaucoup comme byzantine dans son caractère" (Crinson 85).

L'influence yzantine est venue pour la première fois en Grande-Bretagne via l'Italie, vers laquelle le style avait voyagé au début du IVe siècle depuis le nouveau siège de l'Empire romain, Constantinople, avec pour résultat que les premières grandes églises de Rome étaient des basiliques, avec des dômes en soucoupe sur d'impressionnants rectangles nefs, arcs en plein cintre et absides de plus en plus richement décorées. La conférence de Matthew Digby Wyatt "Sur la décoration polychrome en Italie du 12e au 16e siècle" (1850) a donné une première indication de l'intérêt des Victoriens pour ce genre de travail. Mais le véritable jalon fut les Pierres de Venise de John Ruskin (1851-53). Avant cela, explique JB Bullen, « l'architecture vénitienne byzantine et gothique, la mosaïque et la peinture étaient ignorées comme représentant un intermède barbare avant le retour de la civilisation avec la Renaissance » piazza a ouvert les yeux de milliers de lecteurs sur la beauté de l'art byzantin et a contribué à le placer solidement dans l'histoire de l'architecture et de la culture post-classiques" ("The Byzance Revival"). Prenant de nombreux indices de Ruskin, les éloges de JD Seddon pour le style dans son Progress in Art and Architecture (1852) de Matthew Digby Wyatt Byzantine Court at the Crystal Palace à Sydenham (1854) et The Grammar of Ornament d'Owen Jones (1856) ont également été convaincants. , qui comprend une gamme de motifs décoratifs byzantins de mosaïques, de pavés de marbre, de manuscrits enluminés, etc. (voir Owen 148-53).

Cependant, il y avait encore de la résistance au style. D'une part, il était associé à la Russie, avec ses propres dômes d'oignon byzantins, et c'était la période ou immédiatement après la guerre de Crimée. D'un autre côté, en ce qui concerne l'architecture de l'église, les ecclésiologues craignaient que les bâtiments arborant des dômes centraux et d'autres éléments byzantins puissent suggérer « une affiliation orientale confuse » avec l'Islam (Crinson 86). Après tout, le bâtiment clé de ce style, l'église Sainte-Sophie commandée par l'empereur chrétien Justinien et inaugurée en 537, était devenue une mosquée après la conquête ottomane. Telles étaient les incertitudes entourant le style que les beaux plans de William Burges pour l'église commémorative de Crimée dans l'actuelle Istanbul, qui avait initialement remporté le concours pour elle au milieu des années 1850, furent plus tard considérés comme trop « Constantinoplan oriental » et rejetés en faveur de un nouvel ensemble de plans dans un design complètement gothique par le finaliste, GE Street (voir "Dessin"). De même, lorsque George Gilbert Scott, qui avait rencontré Ruskin à Venise en 1852, présenta son deuxième projet d'influence byzantine pour le ministère des Affaires étrangères en 1860, il ne réussit pas mieux que son premier projet gothique, et il dut rédiger un projet plus conventionnel. classique à la place. Un Royal Albert Hall de sa propre conception aurait également eu "une teinte byzantine" (cité dans Steegman 289) mais cela, comme avec son deuxième plan pour le ministère des Affaires étrangères, ne devait pas l'être.

De gauche à droite : (a) la chapelle de George Gilbert Scott pour le King's College de Londres, sur un plan basilical avec une riche ornementation. (b) Gros plan de l'abside, avec une copie peinte d'une mosaïque Salviati du Christ en majesté. (c) Le dieu de Sir William Blake Richmond crée la terre sèche dans la séquence de la création dans la cathédrale St Paul, à Londres.

Burges et Scott ont tous deux trouvé d'autres débouchés pour leurs intérêts. Par exemple, alors que la bataille des styles sur le ministère des Affaires étrangères était toujours en cours, Scott écrivit au secrétaire du King's College de Londres le 22 décembre 1859 au sujet de la nouvelle chapelle proposée là-bas, exhortant « l'adoption de la forme, et dans une certaine mesure le caractère, d'une ancienne basilique" (cité dans "Une brève histoire"). Son œuvre finale de 1864 est en effet une basilique, magnifiquement restaurée au siècle actuel : les écoinçons de la nef brillent à nouveau avec des portraits d'hommes d'église importants et de divins anglicans, et une copie peinte d'une mosaïque Salviati du Christ en majesté brille du sommet . C'est l'un des "intérieurs cachés" les plus impressionnants de Londres (voir Davies 186-87). De son côté, Burges a su mettre en œuvre son goût byzantin dans la chapelle du Worcester College d'Oxford, et dans son travail pour le marquis de Bute, lui-même un grand passionné. Mais son influence (et celle de Bute) allait au-delà de cela. Malgré la désapprobation continue de trop de couleur dans l'église anglicane, Burges a déclaré : « Quel bâtiment n'aurait pas l'air bien couvert de mosaïques sur un fond d'or ? (cité dans Bullen, Byzance Redécouverte, 147). En choisissant très tôt William Blake Richmond pour l'aider, il est devenu "une figure clé du projet de St Paul" qui, après une opposition initiale, a finalement abouti au projet de mosaïque de la cathédrale de Londres. Bullen s'efforce de souligner que « la véritable inspiration » pour cela est venue de Burges plutôt que de Dean Gregory et Richmond lui-même (Bullen, Byzantium Rediscovered, 147, 152).

Mosaïque des Saints Cecilia, Barbara et Dorothea, par Burne-Jones, à St Paul's Within-the-Walls, Rome.

Quant à Street, il n'a fait que des concessions superficielles au byzantin à l'intérieur de l'église de Crimée : « sa vision de byzantine était celle d'un moyen mécanique à la richesse ornementale selon le diktat précis et global du dessinateur » (Crinson 85) . Mais il ne pouvait guère aller plus loin dans cette direction lorsqu'il succédait à un architecte dont les plans avaient été jugés trop « Constantinoplan oriental ». Plus tard, alors que le climat de l'opinion commençait à changer et que la couleur devenait plus autorisée dans l'Église protestante, Street avait plus de portée et en profita également, se tournant vers Sir Edward Coley Burne-Jones pour fournir le schéma de mosaïque de son roman basilique de Saint-Paul à l'intérieur des murs après la consécration de l'église en 1876. La rue n'a pas vécu pour voir le résultat, mais ce devait être "le projet de décoration en mosaïque le plus ambitieux et sans doute le plus réussi réalisé par n'importe quel Artiste britannique au 19ème siècle" (Sladen 89).

Avec la propagation de l'influence de Ruskin, l'éclectisme croissant de la dernière partie du siècle et l'état d'esprit collaboratif du mouvement Arts and Crafts, le style d'enrichissement intérieur du renouveau byzantin devenait maintenant non seulement plus acceptable mais plus apprécié :

C'était la qualité sensuelle des détails décoratifs - les motifs ondulants dans le marbre, les meubles noircis incrustés de nacre, les coupoles des soucoupes scintillantes de mosaïque dorée, la ferronnerie sertie de pierres semi-précieuses et la complexité de la polychromie pavage - qui a le plus plu à ceux qui ont adopté le style. [Sladen 85]

En 1874, Seddon lui-même avait enfin pu concevoir une église aux traits byzantins. Simon Jenkins décrit Sainte-Catherine, à Hoarwithy, Herefordshire, avec son campanile, son cloître, sa baie centrale en forme de dôme, ses riches colonnes de marbre et sa mosaïque absidale centrale comme « une œuvre complète d'art revivaliste, rare pour sa date et une création étonnante » (314). En fait, comme c'était la nature de ce genre de décoration, une grande partie des travaux intérieurs, y compris la grande mosaïque, a été achevée plus tard.

Les éloges de William Morris à l'égard des Byzantins dans sa conférence bien connue « Architecture gothique », prononcée pour la première fois le 11 février 1889, ont confirmé la tendance. De l'art byzantin, dit-il,

Ses caractéristiques sont la simplicité de la structure et le contour de la masse, une étonnante délicatesse d'ornement combinée à une horreur du flou : il est de couleur vive et claire, de ligne pure, détestant la stérilité autant que le flou redondant, mais pas fleuri, tout le contraire du roman dans l'esprit, bien qu'il ait pris tant de ses formes et les ait revivifiées. Rien de plus beau que ses meilleures œuvres n'a jamais été produit par l'homme.

Ce témoignage élogieux a été soutenu par la promotion par Morris des arts décoratifs en général, et les idéaux désormais établis du mouvement Arts and Crafts. À son attrait s'ajoutait la fascination de la communauté artistique contemporaine pour l'Orient. De plus en plus de visiteurs britanniques avaient commencé à se rendre au Moyen-Orient à partir des années 1840, et en effet, John Frederick Lewis avait peint le vaste intérieur de Sainte-Sophie, l'église du Ve siècle qui a puissamment influencé à la fois le style byzantin original et son renouveau, dès 1840/ 41 (voir Tromans 163, 171). La même fascination a commencé à attirer les architectes dans la région de l'ancien empire byzantin. L'un des premiers fut Burges, en raison de son implication dans l'Église commémorative de la guerre de Crimée : il est même allé en poser la première pierre. En 1864 était venu le premier livre consacré au style, par Charles Texier (1802-1871) et Richard Popplewell Pullen (1825-1888) : Architecture byzantine, qui était illustré d'exemples et de commentaires finement détaillés. Plus influent encore fut un voyageur ultérieur, William Lethaby (1857-1931), sorti en 1893, et dont les études architecturales approfondies combinaient spécificités et mysticisme : (Bullen, Byzance Redécouverte, 169). The Church of Sancta Sophia, Constantinople: A Study of Byzantine Building (1894) de lui et Harold Swainson est considéré comme un texte clé dans ce domaine (voir Jeffreys et al. 10).

De gauche à droite : (a) Dessin de William Lethaby d'un chapiteau byzantin de la mosquée de Damas, frontispice de l'Art médiéval de la Paix de l'Église à la veille de la Renaissance, 312-1350 (1904). (b) Entrée ouest de la cathédrale de Westminster de Bentley (1895-1903), « le bâtiment de style néo-byzantin le plus ambitieux de Grande-Bretagne » (Sladen 95), avec sa grande mosaïque à fronton nous préparant aux splendeurs de l'intérieur. (c) Intérieur de la cathédrale, bordé de marbre et très décoré.

L'architecte catholique romain JF Bentley a emporté avec lui le livre sur l'église de Sancta Sophia lorsqu'il a effectué un voyage d'étude en Italie et à Constantinople avant de concevoir la cathédrale de Westminster, disant qu'il lui disait tout ce qu'il avait besoin de savoir sur le célèbre bâtiment (voir de l'Hôpital 35). La couleur et l'ornementation n'avaient jamais été un tel problème pour les catholiques (en témoignent les intérieurs des églises d'A. W. N. Pugin, en particulier à Cheadle et Birmingham), et Bentley a pu en faire pleinement partie dans son chef-d'œuvre. L'art médiéval ultérieur de Lethaby, tout aussi inspirant, de la paix de l'Église à la veille de la Renaissance, 312-1350 (1904), a porté son intérêt et celui d'autres pour la relation entre l'art oriental et occidental à un nouveau niveau. Il n'est donc pas anormal que les architectes ultérieurs travaillant dans ce style aient tendance à s'inspirer de plus à l'est que la Venise de Ruskin.

A gauche : le château de Neuschwanstein en Bavière, par Edward Rierdel et Georg von Dollman première pierre posée le 5 septembre 1869. A droite : l'église du Sang-Versé (ou église de la Résurrection), Saint-Pétersbourg, Alfred Parland et l'archimandrite Ignaty (1883-1907 ).

Le néo-byzantisme a influencé l'architecture non seulement en Grande-Bretagne mais dans toute l'Europe. Cela comprenait l'Allemagne, à laquelle Bullen a tracé la première impulsion vers les Byzantins. Un exemple célèbre en est la somptueuse salle du trône de Louis II du château de Neuschwanstein en Bavière, inspirée de Sainte-Sophie elle-même et s'appuyant délibérément sur les sources religieuses et les connotations du style pour représenter l'idée grandiose de Ludwig de son rôle. Le projet était si ambitieux que le château "a pris 17 ans à construire... et n'a tout de même jamais été complètement achevé" (Desing 14). L'église sur le sang versé (ou église de la résurrection) à Saint-Pétersbourg (1883-1907) est un autre bâtiment emblématique qui a pris des années à décorer, d'un intérêt particulier car son architecte principal était l'écossais-allemand Alfred Parland (1842-1919) . En collaboration avec l'archimandrite Ignaty (Ignaty Malyshev), Parland a produit ce monument russe à l'empereur assassiné Alexandre II à une époque où le renouveau byzantin était à son apogée en Grande-Bretagne. Il est aussi éblouissant à l'intérieur qu'à l'extérieur, avec des mosaïques scintillantes couvrant presque chaque centimètre de mur (voir Popova 175-83).

Gauche : Extérieur de Santa Sophia à Bayswater (commencé en 1877). À droite : Intérieur de l'église, avec des mosaïques dans le dôme, le tympan et les écoinçons, conçu par l'artiste Arthur George Walker (1861-1939).

Le renouveau byzantin a produit peu de bâtiments en Grande-Bretagne aussi frappants que ceux-ci. La plus accrocheuse est la cathédrale de Westminster, même si elle est fondamentalement un plan rectangulaire simple. In other cases, such as Sidney Barnsley's Church of the Wisdom of God in Lower Kingswood, the exterior tends to be so deceptively simple that the the interior, exhibiting the "amazing delicacy of ornament" that Morris found in the style, comes as a surprise. In this case, so through-going is the church's neo-Byzantinism that Dr Edwin Freshfield, patron and benefactor of the church, felt the need to place a lion and a unicorn from Sir Christopher Wren's church of All Hallows, Staining, on the ends of the carved wooden Freshfield seats by the west door, to indicate that it really is an Anglican church ("The Church of the Wisdom of God"). But perhaps the most handsome example of a complete Victorian building in the Byzantine style, certainly in London, is that of Santa Sophia in Bayswater. More properly designated as the Greek Orthodox Cathedral of Aghia Sophia, this church in Bayswater is the most notable work of Scott's younger son John Oldrid Scott (1841-1913). Built in 1877-79 and consecrated in 1882, it was completed in 1892, making it a totally Victorian production — though there have been later additions, such as the marble lining and mosaics seen in the narthex, and, most importantly, the Russian-born Boris Anrep's mosaics on the arches supporting the dome, and the Sanctuary apse ceilings.

One of the mosaics in the narthex of Santa Sophia, is of St. Demetrius, a warrior saint in the Byzantine tradition, suitably placed by the entrance since one of the saint's roles was to guard churches and cities (see Walter 88).

More often, the Byzantine inspiration is felt in the incorporation of mosaic work as part of a decorative scheme. The most iconic building in Britain in this respect is St Paul's, where the mosaics added to Wren's much earlier basilican nave were the earliest in which the tesserae were individually applied to the wall by hand, making them glint and glimmer separately in the light (see Sladen 90). The plaster mouldings do intrude on the mosaics, but the effect is still dazzling. The wider and most welcome effect was to bring about "a considerable change in what British Protestants were prepared to tolerate in church interiors" (Bullen, Byzantium Rediscovered , 152). Little wonder that the technique was used elsewhere, as well, for example in the large Byzantine-inspired mosaic over the entrance to Charles Harrison Townsend's Horniman Museum.

Les références

A Brief History of King's College Chapel at the Strand . Leaflet available at the chapel.

Bullen, J. B. Byzantium Rediscovered . London: Phaidon, 2003.

_____. "The Byzantine Revival in Europe." Talk at King's College, London. 4 September 2014, with a version available here. La toile. 20 February 2014.

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Crinson, Mark. Empire Building: Orientalism and Victorian Culture . Abingdon, Oxon.: Routledge, 1996.

Curl, James Stevens. Victorian Architecture . Newton Abbot: David & Charles, 1980.

Davies, Philippe. London: Hidden Interiors . Croxley Green, Herts.: Atlantic Publishing, 2012.

de l'Hôpital, Winefride. Westminster Cathedral and Its Architect: Volume I, The Building of the Cathedral . 2 vol. London: Hutchinson, 1919. Internet Archive . La toile. 20 February 2014.

Desing, Julius. King Ludwig II: His Life — His End . Lechbruck: Verlag Kienberger, 1976.

"Drawing" (Burges's pen and wash design of the foundation plan for Crimean Memorial Church in present-day Istanbul). Victorian & Albert Museum . La toile. 20 February 2014.

Jeffreys, Elizabeth, John Haldon and Robin Cormack. The Oxford Handbook of Byzantine Studies . Oxford : Oxford University Press, 2008.

Jenkins, Simon. England's Thousand Best Churches . London: Penguin, 2009.

Jones, Owen. The Grammar of Ornament . 1856. London: Dorling Kindersley, 2001.

Lethaby, W. R. and Harold Swainson. The Church of Sancta Sophia, Constantinople: A Study of Byzantine Building . London & New York: Macmillan, 1894. Internet Archive . La toile. 20 February 2014.

Morris, William. "Gothic Architecture." Morris Online Edition (University of Iowa). 20 February 2014.

Pevsner, Nikolaus. Cumberland and Westmoreland . London: Penguin, 1967.

Popova, Natalia. St. Petersburg . St Petersburg: P-2 Art Publishers, 2007.

Sladen, Teresa. "Byzantium in the Chancel: Surface Decoration and the Church Interior." In Churches 1870-1914 , the Victorian Society's journal, Studies in Victorian Architecture & Design . Vol. III. 2011. 81-99.

Steegmann, John. A Study of the Arts and Architecture from 1830 to 1870 . Paperback ed. Cambridge, Mass.: MIT Press, 1971.

Tromans, Nicholas. "The Holy City." The Lure of the East: British Orientalist Painting . London: Tate, 2008. 162-72.

Turnor, Reginald. Nineteenth Century Architecture in Britain . London: Batsford, 1950.

Walter, Christopher. The Warrior Saints in Byzantine Art and Tradition . Aldershot, Hants.: Ashgate, 2003.


Byzantine Art Timeline - History


Left to right: (a) George Gilbert Scott's chapel for King's College, London, on a basilican plan with rich ornamentation. (b) Close-up of the apse, with a painted copy of a Salviati mosaic of Christ in Majesty. (c) Sir William Blake Richmond's God Creates the Dry Land in the Creation sequence in St Paul's Cathedral, London.

yzantine elements lend an almost incomparable glory to some of our best-loved buildings. They can be found in early nineteenth-century architecture, for example in the work of Sir John Soane and James Wyatt (see Turnor 9 and 12), and also at the beginning of the Victorian period in Sarah Losh's church, St Mary's, Wreay in Cumbria (1841-42). Though highly individualistic in its blending of different elements, this small Cumbrian church can perhaps be seen as a forerunner of the Byzantine Revival. The term "Byzantine" itself takes in a great deal, since its Early, Middle and Late periods produced a variety of manifestations, up to and including the variations on it under the Ottomans. The revival, therefore, drew on a rich and complex cultural heritage, though over a very much narrower timescale than the original: the term is generally applied to architectural and decorative works from the mid-1870s to the early twentieth century. — Jacqueline Banerjee.

Byzantine Revival Architecture in the United Kingdom

Some Churches Associated with the Byzantine Revival

Related Material

Les références

A Brief History of King's College Chapel at the Strand . Leaflet available at the chapel.

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We regret to inform you that the Loverdos Museum will be closed for internal works from Wednesday the 26th of May till Friday the 28th of May.

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Commentaires:

  1. JoJobei

    Quel message de talent

  2. Keane

    Je m'excuse, mais je pense que vous vous trompez. Je peux le prouver.

  3. Hagley

    Oui en effet. C'était avec moi aussi. Discutons de cette question. Ici ou à PM.



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